2025/06/26

VERSE Opinion

北美館矚目大展解析：藝術家奧拉弗・埃利亞松為何讓世界著迷？

北美館最新大展的主角奧拉弗·埃利亞松（Olafur Eliasson）是當代最具影響力的藝術家之一。他的創作橫跨哲學、美學與社會實踐，讓觀眾透過沈浸式體驗，重新思考身體、自然與環境的關係，他在倫敦泰特美術館的作品《氣象計畫》創造兩百萬參觀人次。奧拉弗·埃利亞松如何改變當代對藝術的想像，又為何讓大眾如此著迷？

人生是一段旅程，它其實是不斷在改變、前進的。如果我們能接納這樣的一個不安的情況，就有機會去擁抱更多不同的可能。--Olafur Eliasson

2003 年冬天，丹麥-冰島藝術家奧拉弗·埃利亞松（ Olafur Eliasson ）在倫敦泰特現代美術館（Tate Modern）以《The Weather Project》改寫當代藝術史：一道巨大橘黃色太陽映照半圓鏡面，伴隨人造霧氣，將渦輪大廳轉化為一場集體沉思與感官共鳴的盛典。超過兩百萬觀眾躺地、拍照、冥想，將作品自己「體驗」成為社群行動的一部分。觀眾不僅「觀看」，更走進了作品本身。這次展演不僅奠定他的全球聲譽，成為公共藝術與觀眾參與的典範，更被譽為21世紀最具影響力的裝置藝術之一。

*延伸閱讀：光影詩人的感知旅程——北美館《奧拉弗．埃利亞松：你的好奇旅程》30年回顧展登場！***

〈The weather project〉, 2003 圖片來源／Tate Photography (Andrew Dunkley & Marcus Leith)

當代藝術史上，少有藝術家能像奧拉弗·埃利亞松那樣，同時獲得學術界的高度評價與大眾的熱烈追捧。

埃利亞松擅長創作結合光、水與氣溫等自然元素的大型裝置與雕塑作品，並融合了科學探索、環境關懷與感知實驗，其藝術實踐始終圍繞著一個核心命題：如何通過藝術激發人們對自身感知與環境關係的重新思考？

而今，奧拉弗·埃利亞松的作品來到台灣，在臺北市立美術館舉行個展《Olafur Eliasson: Your Curious Journey》（「奧拉弗．埃利亞松：你的好奇旅程」）。對觀眾來說，這不只是欣賞國際級展覽，更是一場文化感知的實驗：我們為何對這樣的藝術產生共鳴？埃利亞松的作品如何兼具哲學的深度與大眾的親切？VERSE帶你一起解析他成功的四大關鍵——

1. 觀眾的沉浸式體驗

埃利亞松受法國哲學家梅洛-龐蒂（Maurice Merleau-Ponty）影響深遠，強調身體作為知覺的媒介。因此他的作品強調體驗，但並非僅是感官刺激，而是對「我們如何感知世界」這一哲學命題的藝術化實驗。《The Weather Project》當然是體驗的極致。在《你的盲人乘客》(Your blind passenger，2010)中，觀眾穿越一條90公尺長的霧氣瀰漫的隧道，能見度僅1.5公尺，必須依靠觸覺和聽覺來導航。而在這次台北也展出的《多重影子屋》(2010)中，觀眾只需走進一個多色光源照射的空間，他們的移動自然會在牆上產生繽紛變化的影子。觀眾的移動、停留、凝視就是作品的一部分。

《你的盲人乘客》, 2010 Tate Modern, London – 2019 圖片來源／Anders Sune Berg

這些作品不強調藝術物件，而是創造一個「經驗場域」，讓觀者的身體與感官介入其中。尤其他創造的體驗是自然元素的轉化：將彩虹、瀑布、冰川、陽光等自然現象提煉並再現於美術館空間中，讓人重新感受空氣的流動、光線的溫度、水氣的重量。觀展成為一次身體與自然世界重新建立聯繫的機會。

2. 從身體感知到社會參與

埃利亞松於1995年在柏林創立的「奧拉弗·埃利亞松工作室」(Studio Olafur Eliasson)不是傳統意義上的藝術家工作室，而是一個匯集了建築師、工程師、工匠、研究人員甚至廚師的「空間研究實驗室」。因此，並不只創作「美術館的藝術」，而是長年將藝術透過跨界行動向社會議題延展。

例如2012年，他與一位工程師共同創立了「小太陽」(Little Sun)社會企業，開發以太陽造型為靈感的便攜式太陽能燈，並投入至撒哈拉以南非洲地區的教育、照明與社會基礎建設中；《Ice Watch》計畫（2014–2018）則將格陵蘭冰塊運至展覽的歐洲城市，讓人直觀面對氣候變遷；早期的《Green River》行動（1998）讓城市河流染上鮮綠顏色，引發市民與官員關注水質議題。

此外，他也參與聯合國永續發展目標倡議，並於2020年與建築師 Sebastian Behmann 合作創立「Studio Other Spaces」，致力於將藝術、建築與永續科技融合，參與全球不同城市的永續公共空間設計，不斷將藝術的疆界從展覽空間推向社會現場，介入能源正義、氣候意識與城市空間的再想像。

Ice Watch, 2014 Bankside, outside Tate Modern, London, 2018 Photo: Justin Sutcliffe

3. 自媒體時代的社群分享

奧拉弗·埃利亞松深刻理解影像文化與身體經驗如何互為條件。他主動設計「可傳播的體驗」，讓作品不只是被觀看，更被拍攝、被分享。像《The Weather Project》那顆偽太陽與鏡面創造出的壯麗景象，成為早期社群時代的集體記憶；《你的盲人乘客》中霧中前行的朦朧人影，也是自拍世代最直覺渴望的內容創造。

但他與一般「打卡型藝術」的差異在於：作品不是為了好拍而設計，而是透過參與與困惑，讓影像反而成為過程的一部分。

埃利亞松的作品常被拿來與幾位同樣受到社群歡迎的藝術家比較。草間彌生（Yayoi Kusama）的《無限鏡屋》強調自我與無限的詩性投影，與觀眾的心理幻覺互動強烈；teamLab 透過數位科技創造沉浸式幻境，強調愉悅與視覺連續；James Turrell 則以光與空間構築冥想式體驗，接近宗教性。

相較之下，埃利亞松的藝術較少風格標誌，而更強調「不確定性」與「即時性」。他不是創造幻象或奇觀，而是創造讓人自我感知被打開的機會。他將草間的群眾魅力、teamLab 的沉浸經驗、Turrell 的哲學深度，轉化為一種更開放、更可被轉譯的當代表達。